葛莱美奖双冠王应氏兄妹海龟岛十六手合奏 演绎室内乐百年名曲 体会沧海桑田(11图)

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来自芝加哥的华裔音乐家Janet Ying(小提琴)、Timothy Ying(小提琴)、Phillip Ying(中提琴)和David Ying(大提琴)应氏兄妹组成的应弦乐四重奏(Ying Quartet)刚刚于2006、2007连续获得了两届葛莱美大奖。这次与他们合作演出的海龟岛弦乐四重奏Turtle Island Quartet演绎了格莱美奖大牒四加4(Four + 4)选曲。

音乐会分上下两场，上半场两只乐队各演奏一支曲子。应弦乐四重奏演奏的是法国作曲家喬瑟夫-莫里斯·拉威尔(Joseph-Maurice Ravel)(1875年3月7日－1937年12月28日)创作于1903年的《F大调弦乐四重奏》。应氏兄妹诠释的拉威尔的《F大调弦乐四重奏》听起来感觉抒情流畅，意境绵绵，仿佛里面有着慵懒的惬意，音乐的旋律被和声妆扮得光影绰约、繁花似锦，美不胜收。第一次来听音乐会的著名播音员思奇女士在音乐会结束时告诉世界名人网记者，这么美好的音乐应该有更多的华人来欣赏，“伟大的音乐有恒久的魅力”。

中场之后，应氏兄妹弦乐四重奏与海龟岛弦乐四重奏十六手合奏由米约(Darius Milhaud,1892-1974) 作于1923年创作的芭蕾音乐《世界的创造La Creation du Monde》(1922-3)，OP.81a。此曲1923年首演于巴黎。米约根据非洲民间创世界的传说，加上新奥尔良爵士乐的影响，第一次尝试把爵士乐和欧洲经典室内乐结合在一部乐章中。据布列兹·森多拉尔所撰的舞剧脚本谱曲，剧情为世界混沌初开时，某些远古生物目睹世界的形成。以爵士乐为基础，用18件独奏乐器（包括萨克斯管）。此曲1923年由瑞典舞蹈团在巴黎首演。包括序曲与5个乐章：序曲为中板，在钢琴、定音鼓及低音提琴伴奏下，萨克斯奏略带伤感的主题，切分音出现后，打断了梦幻氛围。5个乐章为：1.描写创世纪的景象，创世主纳梅、梅贝尔及挪亚等三巨神在舞台上踱来踱去，商讨咒文。2 .描写创世之初的景象，混沌的块状物长成了树，鲜花盛开，果实落到地面，树木长出新芽。树叶与地面接触，就膨胀成奇怪的形状，成为动物。3.各种动物的舞蹈，神完成了咒文，又创造了人。4.在爵士乐节奏下，创造成的男女跳着欲望之舞。5.男女互相拥抱接吻，野性的舞蹈终止后，舞台上只留下进入忘我境界的两个人。爵士乐背景引出富有乡愁的结尾。这首充满乡愁的乐曲由两支大师乐队采用四加4的创新形式重现18种乐器乐队的辉煌情形。大提琴中提琴小提琴，弦拉手拨，拍板敲边，闭上眼睛就可以听到人类世界诞生的澎湃涛声。印在人们脑海里的不是音乐声，而是千百万年不朽于人类的活化石。体味爵士乐和经典室内乐所共同表现出来的人类文明的根源，你才能了解为什么应弦乐四重奏和海龟岛弦乐四重奏为什么能获得音乐界和各大主流传媒的一致追捧。个中浓郁的沧海桑田正是人类追求艺术和人文传承的最高境界。

下半时还由两个乐队的两个大提琴手联合演奏了Mark Summer自己在1988年为自己的姐姐创作的Julie-O。原来这是一首大提琴独奏曲，现在由两个大师一起合奏，琴箫和鸣，依偎相伴，婉转诉说，亲情毕现，君臣辅佐，又是别一种境界。

两只乐队还联手演奏了David Balakrishnan的《Mara's Garden of False Delights(2002)》，Evan Price的《Variations on an Unoriginal Theme(2002)》等最新创作的室内音乐。一次次的谢幕，一次次的演绎，全场的观众陶醉在伟大艺术的洗礼中，久久不能离去。

法国作曲家喬瑟夫-莫里斯·拉威尔(Joseph-Maurice Ravel)
(1875年3月7日－1937年12月28日)

喬瑟夫-莫里斯·拉威尔生于法国南部靠近西班牙的山区小城西布勒，1937年在巴黎逝世时，已经是法国与德彪西齐名的印象派作曲家。他的音樂以纖細、豐富的情感和尖銳著稱，同時也被認為是二十世紀的主要作曲家之一。他的鋼琴樂曲、室內樂以及管絃樂在音樂史上不容忽視。鋼琴曲諸如Miroirs和加斯巴之夜是經典的作品；管絃樂例如達夫尼與克羅伊，還有替穆索斯基編曲的展覽會之畫出色的展示了他以音樂表現光影色彩的技巧。對於大眾而言，最熟悉的應是他的波麗露，但他本人不十分看重此作品，並一度把它描述為“沒有音樂的管絃樂曲”。根據SACEM的統計，拉威爾比其他法國作曲家擁有許多忠實的支持者，使他成為（至今）最受歡迎的法國作曲家。

早年的拉威尔，追求着别具一格的音乐表现，标新立异的音乐。拉威尔和德彪西有着密切的交往，德彪西的印象派作曲手法很自然就深入到拉威尔初期的创作中。到了后期，特别是第一次世界大战以后，拉威尔更倾向于明确的音乐语言，与那种晦暗的乐句划清界限。他还从西班牙的民族音乐中取材，借以丰富自己音乐的表现力。

虽然和德彪西一样是印象派作曲家，但拉威尔的音乐整体来说与前者迥然不同。德彪西的音乐有一种朦胧的意境，诗意的想象。而拉威尔的作品节奏鲜明。他的作品恪守着古典主义传统，但乐思自由奔放。他的代表作《波丽露舞曲》，全曲14分钟，但是主旋律只有一个，在小鼓无休止的三拍子节奏背景上，由各种乐器演奏的两个17小节的旋律不断反复，通过在不同的乐器中过渡，由弱渐强，最后音乐突然滑进了E大调（旋律大调），达到高潮。乐曲造成了和单纯的手法全不相称的独特效果，让人毫不感到单调沉闷，反而有一种乐曲分秒不断在变化的感觉。

拉威爾自評：『嚴格的說，我不是一個「現代作曲家」，因為我的音樂遠不是一場「革命」，我只是一場「進化」。雖然我對音樂中的新思潮一向是虛懷若谷、樂於接受的，但我從未企圖屏棄已為人們公認的和聲作曲規則。相反，我經常廣泛地從一些大師身上吸取靈感（我從未中止對莫扎特的研究），我的音樂大部分建立在過去的傳統上，並且是它的一個自然的結果。我不是一個擅長寫那種過激的和聲與亂七八糟的對位的「現代作曲家」，因為我從來不是任何一種風格的奴隸，我也從未與任何特定的樂派結盟。』。

作曲家斯特拉文斯基评价拉威尔是“精巧的瑞士钟表”。

表面上，拉威爾受到眾多樂派的影響：德布西的印象派、來自俄國和西班牙的國民樂派、以及來自美國的爵士樂－－他有一名為Blues（藍調）的G大調小提琴奏鳴曲。而他自己曾說，他沒有一首樂曲不受到葛利格（Edvard Grieg）的影響。

拉威爾在1928年寫道：作曲者必須同時注意個人意識和國家意識的兩個層面。那一年，拉威爾到了美國及加拿大，以火車巡迴的方式在25個城市舉辦鋼琴獨奏會。在不情願地把爵士樂當作一種國家主義音樂的情況下，拉威爾促進了美國作曲家的覺醒：“最大的恐懼在於他們發現自己被神秘的力量催促，他們發現必須要停止自己學院教條式的欺瞞自我意識。因此這些小資產階級（布爾喬亞）作曲家開始以歐洲式的風格寫作自己的音樂”。當喬治·蓋希文遇見拉威爾時，他希望可以追隨拉威爾學習。這位法國人說了：“為什麼要當個二流的拉威爾，卻不當一個一流的蓋希文？”。

拉威爾的兩首鋼琴協奏曲在許多方面表現了蓋希文的風格。在G大調的那一首中，拉威爾說莫扎特和聖桑是他材料的來源。

他先前嘗試要寫作一首協奏曲：Zazpiak Bat，但從未完成。這首樂曲的標題反映他的巴斯克血統，意義是“The Seven Are One”，七表示七個巴斯克省，而此也常被用作巴斯克民族的象徵。現今仍留下的殘篇顯示他受巴斯克音樂的影響很大。然而拉威爾放棄了這個作品，而把裡面的旋律和節奏使用在他的其他作品中。

拉威爾認為他的對位法教授安得烈•佘達惹，在他作為作曲家的技巧上有很大幫助。而作為管絃編曲者，他學習了各種樂器的音色，為了要使作曲時能夠使用不同的效果。這對於他的管絃技法的幫助可以從自己的鋼琴作品和替其他作曲家編曲的作品，例如穆索斯基的作品中可以看得出。

米约(Darius Milhaud)
(1892-1974)

米约(Milhaud)是Les Six (法國六人組) 的成員。他是一位從實際生活中遴選題材的作曲家。例如：他曾經以農耕機械的貨品目錄為音樂，不過這類音樂屬於他次要的作品，因為 Milhaud 是個多重作曲家，一生的作品總共有三百多首之多。1892年9月4日出生在法國南部普羅旺斯省的猶太家庭中。長大後進入巴黎音樂學院接受教育，師事丹第、魏道爾等大師。

當然，早期的 Milhaud 也是有六人組一些作曲上的缺點：音樂結構仍過於單薄，並且均衡美仍不足。但他在本質上還是存在著華麗與抒情。

不過談 Milhaud 就不可不談談他在「複調」作曲技法的功力。所謂的「複調」就將不同調性為基礎的旋律重疊在一起，每一個旋律的調性都很明確。

Milhaud 也是個懂得從實際生活中遴選題材的作曲家。他將他的複調學理流暢地運用於各式音樂中，在 1920 年代前衛風尚的音樂界顯然以掌門人姿態出現。這些樂曲豐富、機巧、複雜、不求和諧，而且華麗的音響效果也與眾不同。

Milhaud 於 1974 年去世，他的音樂作品雖然不是說每部都能在歷史上佔有依席之地，但他仍是法國二十世紀最重要的作曲家之一。